domingo, diciembre 07, 2008

EL JUEGO DE LAS DIFERENCIAS

1.- Händel - El triunfo del tiempo y del desengaño - "Lascia la spina":





1.- Händel - Almira - Zarabanda:





1.- Händel - Rinaldo- "Lascia ch'io pianga":





Como pueden ver, lo de Café Quijano lleva ya muchos siglos inventado...

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jueves, febrero 07, 2008

STILL ALIVE

Hoy me he levantado ahorrativa, así que voy a aprovechar el título de la entrada para

1.- Pedir disculpas por la larga ausencia y corroborar que, a pesar de los pesares y para desilusión de muchos de ustedes, que lo sé, seguimos vivas.

2.- Presentar lo que venía a contarles:

¿Conocen un juego llamado Portal? Es una especie de experimento (yo quitaría lo de "especie de", pero como de juegos entiendo lo justito, vamos a darle ese margen) que viene el el pack Orange Bok, junto con Half Life 2 y unos cuantos más. A mí me recuerda, salvando las distancias, a los grabados de Escher: un baile de perspectivas y dimensiones en el que uno puede hacer un agujero en la pared y ver su propio trasero a través de él, por poner un ejemplo.


El objetivo es escapar del edificio, pero lo gracioso es que hay que hacerlo mientras uno es constantemente distraído, vamos a llamarlo así, por pequeñas torretas que intentan asesinarle. Sin embargo, ¡ay!, son tan dulces, tan amables, tan simpáticas, que a uno a veces le entran ganas de dejarse masacrar solo para oír su voz. Te engañan, te hacen falsas promesas, te dan esperanzas vanas, y aún así cuesta tanto odiarlas... Incluso cuando termina el juego (ojo: me dispongo a destriparles el final) y uno ha destruído la máquina que controla las torretas, ella va y te canta. Para que te sientas culpable, la muy... o para meter más miedo, no sé. Escuchen, escuchen:


This was a triumph.
I'm making a note here: HUGE SUCCESS.
It's hard to overstate my satisfaction.
Aperture Science.
We do what we must because we can.
For the good of all of us.
Except the ones who are dead.
But there's no sense crying over every mistake.
You just keep on trying till you run out of cake.
And the Science gets done.
And you make a neat gun. For the people who are still alive.

I'm not even angry. I'm being so sincere right now.
Even though you broke my heart. And killed me.
And tore me to pieces. And threw every piece into a fire.
As they burned it hurt because I was so happy for you!
Now these points of data make a beautiful line.
And we're out of beta. We're releasing on time.
So I'm GLAD. I got burned.
Think of all the things we learned for the people who are still alive.

Go ahead and leave me. I think I prefer to stay inside.
Maybe you'll find someone else to help you.
Maybe Black Mesa
THAT WAS A JOKE. FAT CHANCE.
Anyway, this cake is great.
It's so delicious and moist.
Look at me still talking when there's Science to do.
When I look out there, it makes me GLAD I'm not you.
I've experiments to run. There is research to be done.
On the people who are still alive.
And believe me I am still alive.
I'm doing Science and I'm still alive.
I feel FANTASTIC and I'm still alive.
While you're dying I'll be still alive.
And when you're dead I will be still alive.

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posted by Susana @ 6:54 p. m. 4 comments

jueves, octubre 11, 2007

MARÍA Y ALBERTO

El pasado lunes estuve en un concierto por primera vez en mucho tiempo. La última vez había sido en Santander, escuchando a Andreas Scholl (concierto que les contaremos en breve), y casi me muero, de la pena y de tantos recuerdos que se me vinieron encima de golpe. Perder a la persona que uno juró amar toda la vida es atroz, y hay veces en que uno no puede evitar acordarse de aquellas palabras de Hemingway: "Había amado demasiado, había exigido demasiado, y lo había agotado todo."... En fin, hay que seguir adelante. Ya se me ocurrirá cómo.

El caso es que allí estaba yo el lunes, en la puerta del Teatro Real, y no me llegaba la piel al pellejo del miedo que tenía. La música es capaz de despertar en nosotros sentimientos que creíamos enterrados, y yo, en aquel momento, con los que no estaban enterrados tenía que me sobraba. Pero no podía perder la oportunidad de escuchar a María Joao Pires, una de las mejores pianistas del mundo. A mí siempre me ha empalagado un poco, pero reconozco que tiene una visión de la música especial y muy valiosa.

Cuando vi que el concierto empezaba con las Danzas argentinas de Ginastera, por poco no salí corriendo. Por poco y porque ya habían cerrado la puerta. Les explico: Alberto Ginastera es lo peor que le puede pasar a alguien que sufre. Este compositor argentino ponía en todas sus composiciones un acento de profunda, terrible melancolía. Como un tango, pero más sutil y a la vez más irremediable. Agradecí estar en lo más alto del teatro: siempre me quedaba la opción de hacer el salto del ángel...

En cuanto sonaron las primeras notas supe que me había equivocado. Por encima de toda la tristeza, de tanto dolor, estaba la belleza que aquella mujer estaba imprimiendo en la música, y la de la obra misma. Esa belleza universal que puede reconocer cualquiera, aunque no haya escuchado música en su vida. Estaban hablando de pérdida, pero también de esperanza. Por primera vez después de meses, después de tantas palabras de ánimo de los buenos amigos, de tanto tiempo tratando de no pensar y a la vez de comprender qué diantres pasó, sentí realmente la esperanza. Y después, cuando entró el violonchelista Pavel Gomciakov, el violonchelo más dulce que jamás he escuchado, fue como un bálsamo para el alma...

No he encontrado ninguna grabación de Ginastera por María Joao Pires, y tampoco del violonchelista, así que les dejo con estas dos. Primero, las Danzas argentinas con otra pianista (fíjense en la segunda, qué maravilla) y luego María interpretando a Schubert.




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viernes, septiembre 14, 2007

FADO

¡Ya estamos de vuelta! Bueno en realidad solo estoy de vuelta yo, pero eso ahora lo explico, lo primero es lo primero. ¡Mil disculpas por la ausencia! He estado hasta arriba de trabajo y Susana se ha mudado y de momento no tiene conexión a la red, así que no sé si podrá apañárselas para estar aquí con ustedes.

La semana pasada, en concreto el 6 de septiembre, se estrenó en la primera jornada del Festival Internacional de Cine de Toronto la última película de Carlos Saura titulada Fados. Un acontecimiento del que imagino ya han oído hablar. El filme sigue el formato ya empleado por el autor en películas como Sevillanas (1992), Flamenco (1995), Tango (1998), Salomé (2002) e Iberia (2005).

Para todos los que gusten está publicado el disco con la banda sonora de esta nueva película en la que salen artistas como Carlos do Carmo, Miquel Poveda o Mariza, además de una representación importante de artistas brasileños como Caetano Veloso y Chico Buarque, la mexicana Lila Downs y las caboverdianas Cesaria Évora y Lura entre otros.


FADOS. DE CARLOS SAURA

Con motivo de la película de la que estamos seguros tendrán mogollón de información me ha parecido oportuno dedicarle un poco de atención a esta forma musical de un país tan cercano y tan desconocido para nosotros como es Portugal.

Antes me gustaría advertirles de que, aunque siempre me gustó enormemente el fado, no puedo considerarme una entendida en la materia, pero creo que tiene la suficiente belleza como para hacerle aquí un pequeño homenaje y prestarle un poco de nuestra atención.

Y ha llegado la hora de ponernos tremendistas. Fado viene del latín (fas, factum) que significa destino, pero parece que se trata de un destino cruel. Y es que esta música popular está llena de fatalismo, dramatismo, romanticismo y todos los -ismo que le quieran poner. Al parecer, su origen se encuentra en la primera mitad del siglo XIX, en un tipo de canción de salón brasileña llamada modinha directamente sacada de un ambiente tabernario y de salón. Lo que pulaba por ahí ya pueden imaginárselo ustedes solitos.

Lo que nunca ha dejado de impresionarme es cómo con frecuencia la combinación de música y pesar origina resultados tan excelentes.

En el fado debemos destacar dos escuelas principales: la Escuela de Coimbra, ligada a la Universidad de Coimbra, exclusivamente cantada por hombres (¡Uhmmm! Eso no me gusta de entrada, a no ser que esté yo en medio de todos ellos, claro) en la que los temas principales son amores estudiantiles o de la ciudad; y la Escuela de Lisboa, en la que cantan solo los que saben, sin necesidad de que la genética reparta suerte entre cromosomas X o Y. Esta última está relacionada con las casas de fado, que se encuentran en los emblemáticos barrios de Alfama, Mouraria, Barrio Alto y Madragoa.

Hace unos cuantos años tuve la oportunidad de conocer a un par de chicos que tocaban la guitarra de Coimbra o lágrima, como ellos la llamaban: un instrumento realmente bello no sólo en su delicado sonido sino también en su forma. Y fueron ellos los que me dieron a conocer a Carlos Paredes. Escúchenlo y luego me dicen si llevo razón o la tengo (je je).

Verdes anos. Carlos Paredes.

Claro que la belleza de este instrumento también se debe a que acaban de oírlo de manos del que es considerado como el maestro más importante en el toque de la guitarra de Coimbra y uno de los compositores más destacados dentro de la música portuguesa. -¡Pues así cualquiera!- me dirán ustedes, -¡que no es lo mismo escuchar al pesado de mi vecino tocando la española que a Paco de Lucía!

Paredes, hijo y nieto de los guitarristas Artur y Gonçalo Paredes, comenzó a estudiar guitarra portuguesa con tan sólo cuatro añitos. En 1967 edita el álbum Guitarra Portuguesa, al que seguirán otros muchos proyectos entre los que destacan Romance nº 2, Fantasía, Porto Santo, Guitarra Portuguesa o Movimento Perpétuo.

Estuvo preso durante la dictadura salazarista y con la Revolución de los Claveles de abril del 74, que dio paso a la democracia, presentó su creación en directo en varias ciudades del país. Se convirtió en uno de los símbolos provocados por la revuelta militar que puso fin a casi medio siglo de régimen totalitario. Volvió a los estudios de grabación en 1987 para publicar Asas (Espelhos de sons). Aquí les dejo la primera canción de este álbum.

Coimbra e Mondego. Carlos Paredes.


Pero cuando el viento sopla demasiado fuerte siempre derriba algo por el camino, y en este caso, entre dictaduras y revoluciones, se llevó por delante nada más ni nada menos que a Amália Rodrigues, considerada la Reina del fado, tal vez una de las voces más impresionantes a lo largo de la historia, no sólo por su desarrollo técnico sino además por su fuerza a nivel interpretativo. Y es que el dictador Salazar alzó su régimen en torno a las tres efes: Fado, Fútbol y Fátima. En fin, con este remix hasta a mí me entran ganas de no volver a oír un fado en mi vida. Si a eso le añadimos que como todos sabemos la Virgen de Fátima y el fútbol son sagrados, pues como siempre pagó el pato el elemento más débil, la belleza cultural.

Durante muchos años el fado ha estado impregnado de esa carga del pasado y decayó en su popularidad.

Digo todo esto no porque quiera meterme en menesteres políticos, sino porque me duele ver cómo antes y después dos grandes artistas fueron perjudicados por lo que es indisoluble en la historia del fado, que es la historia del propio Portugal.

Amália Rodrigues surgió de las cenizas como el Ave Fénix, abandonada por su madre a temprana edad y criada en el barrio de la Alfana de Lisboa, pronto recorrió las tabernas en su adolescencia y desde su humilde origen alcanzó los mercados internacionales. Pero lo que hizo grande a esta mujer fue el lamento y fatalismo ancestrales contenido en las propias letras del fado que ella interpretó como nadie. Amália decía: "Yo no canto el fado, el fado me canta a mí."

Lágrima.


Pero ¿qué es el fado? ¿Un estilo de música sin más? ¿Una serie de características musicales y estilistas? ¿El producto de una tradición popular? ¿Una forma de vida?

Como ya les he dicho que no soy ninguna entendida, pienso remitirme a una de las letras más emblemáticas del fado: Tudo Isto é Fado. Saquen ustedes sus propias conclusiones.

Tudo Isto é Fado


(La traducción de la derecha es cosa mía, así que pido perdón por el atrevimiento y las burradas que pueda haber cometido al hacerlo de una legua que admito desconozco).

Perguntaste-me outro día

se eu sabia o que era o fado.

Disse-te que não sabia.

Tu ficaste admirado

sem saber o que dizia.

Eu menti naquela hora.

Disse-te que não sabia.

mas vou-te dizer agora.


Almas vencidas.

Noites perdidas.

Sombras bizarras

na Mouraria.

Canta um rufia.

Choram guitarras.

Amor ciúme.

Cinzas e lume.

Dor e pecado.

Tudo isto existe.

Tudo isto é triste.

Tudo isto é fado.


Se queres ser o meu senhor

e teres-me sempre a teu lado.

Nao me fales só de amor,

fala-me também do fado.

E o fado é o meu castigo.

Só nasceu pr’a me perder.

O fado é tudo o que digo

mais o que eu não sei dizer.

Me preguntaste el otro día

si sabía lo que era el fado.

Te dije que no sabía.

Y te quedaste admirado

sin saber lo que decía.

Te mentí en aquella hora.

Te dije que no sabía.

pero te lo voy a decir ahora.


Almas vencidas.

Noches perdidas.

Sombras extrañas

en la Mauraria (morería).

Canta un rufia *

Lloran guitarras.

Amor celado.

Ceniza y lumbre.

Dolor y pecado.

Todo esto existe.

Todo esto es triste.

Todo esto es fado.


Si quieres ser mi señor

y me quieres siempre a tu lado

No hables solo de amor

háblame también de fado.

Que el fado es mi castigo.

Nació solo para perderme.

El fado es todo lo que digo

sumado a lo que no sé decir.

* No consigo traducir este termino y es que me temo que es algo particular, muy ligado a la cultura del fado, significa rufián, dado a llevar una vida desordenada, e incluso lo he encontrado traducido como fadista. Me temo que “rufía” significa "que canta", alguien que lleva un tipo de vida propio del mundo del fado. Pero si alguien lo sabe, que me lo explique, que llevo horas consultando diccionarios y textos de toda clase.


Y aunque he de reconocer que me quedo con la sencillez y nostalgia de las melodías de Carlos Paredes, no podíamos pasar por alto a Amália. Una artista de fado tradicional que fue criticada por algunos puristas por introducir poetas como Luis de Camöes y Guerra Junqueiro, que se dejó impregnar por la queja del flamenco y se unió artísticamente al compositor Alain Oulman.

Fue venerada por Caetano Veloso, incluso Chavela Vargas y Cesaria Evora admitieron tenerla como referentes en su canción y ha influido en artistas como Misia y Madredeus.

Alfama. Fualas do Tejo. Madredeus.


Ahora una nueva generación de fadistas la pone en su lugar y la tiene en cuenta como una figura imprescindible dentro del fado. Personas como Misia, Mafalda Arnauth, Teresa Salgueiro, Cristina Branco, Dulce Pontes o Mariza, algunas mencionadas anteriormente y presentes en la película de Carlos Saura.

Una nueva generación que retoma los viejos temas y los renueva. Cristina Branco nos dice:

El tema primero del fado es el barco que se lleva el mar para no volver, de ahí viene la saudade. Pero existen trescientas músicas diferentes (fado menor, mayor, tango, Isabel...), que dan mucha libertad de improvisación. Los fados Coimbra tienen letras hechas para hombres, sólo Amalia Rodrigues tenía el derecho de cantarlos. En las nuevas tendencias que hablan de una sociedad en evolución se refleja la vitalidad del fado, en nuestro caso manteniendo las raíces del género.

Y como considero que ya he hablado bastante por hoy, les dejo con el fado, los poemas y las voces de todas ellas.

Ausencia. Cristina Branco.


Canção Do Mar. Dulce Pontes.


Loucura. Mariza.


Enlaces:

Carlos Saura. Flamenco-world.com

Carlos Saura dirigirá “Fados” con el “corazón”. Cinema hoy.

Fados by Carlos Saura. lahiguera.net.

La guitarra portuguesa. Filomúsica. Por Isabel Francisca Álvarez Nieto.

Carlos Paredes. Guitarra Portuguesa-Antología. Noah’s Crow.

Mini reportaje en You Tube de Carlos Paredes (en donde tenemos la oportunidad de verle tocar. Interesante, pero en portugués).

Carlos do Carmo. Winipedia

Página oficial de Cristina Branco

Página oficial de Dulce Pontes

Página oficial de Mariza

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miércoles, agosto 01, 2007

UN CANTANTE , UNA GUITARRA Y UNA COCINA.

Antes que nada quiero darle las gracias a Izaskun por mandarme algo que denominaré como "ESTO".

Tengo una hipótesis un poco extraña sobre el arte, pero no por eso menos válida. Considero que cuando algo raya en lo grotesco y lo cutre hasta el punto que te deje sin palabras, vuelve a ser arte.

El vídeo que viene a continuación es una prueba de ello.

Por cierto, si hay niños observando NO INTENTÉIS NUNCA HACER ESTO CON LA COCINA, ES PELIGROSO (sobre todo cuando lo vean vuestros padres).


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miércoles, julio 25, 2007

SAKAPATÚ. UN GRUPO DIFERENTE

Guitarras, cuatro, charango, bajo eléctrico, flauta de pan, quena, travesera, clarinete, tambor, congas, bongos, bailarinas, bailarina espontánea, frescura, naturalidad, sentido del humor, parafernalia, desfile de inauguración con mascaras y todo, y mucho pero que mucho ritmo. Energía, alegría por doquier y sonrisas de oreja a oreja. Músicos entregados, coros, voz personal, calor humano, muchas ganas y conexión con el público, presentaciones pomposas y divertidas, armonías curiosas y yo diría que hasta arriesgadas pero naturales. Las cervezas caras, pero que muy caras y en vaso de plástico en la sala Sidekar de Barcelona, y la entrada sin consumición a un precio razonable y con disco de promoción (digo yo que eso por cuenta de los músicos). Así que todas las alabanzas para los músicos y... -¡bueno, se vieron cosas peores!- para el local….Instrumentos raros, ¡raríiiiisimos!

Y aquí necesito detenerme un poco. Entre ellos el más llamativo es la quijada de burro o cacharaina, que como su nombre indica está hecho con una quijada de dicho animal, su sonido es precioso y se usa como instrumento de percusión.

La cajita, con un sonido que nos recuerda a las claves o a la caja china, posee una tapa que abren y cierran con la que consiguen sonidos que varían en su altura (es decir, unos más agudos que otros).

Además les vi lo que yo creo que era un tubo de la luz enroscado y bellamente decorado con hilos de colores, al que sacaban un muy peculiar sonido. Y es que estos chicos presentan un trabajo personal. Pero el tema de los instrumentos no es tan personal. Procede de la tradición musical peruana, que en su vertiente afro-americana tiene su origen en la esclavitud y en la falta de medios, la música que latía en el corazón de los esclavos que llegaron al Perú se adaptó con lo que tenían a mano (y se ve que los pobres burros pagaron el pato, je je).

Otro punto importante en la música peruana es el tema del cajón.

Puede que algunos de ustedes piensen que el cajón es un instrumento flamenco, pero no es así. Es un instrumento de origen peruano. Verán, el cajón fue introducido por Rubén Danta, o no sé si decir que por Paco de Lucía. Y no es por quitarle valor al tremendo percusionista, sino porque para entonces Paco ya contaba con un gran reconocimiento dentro del flamenco; si lo hubiese hecho otra persona, no me extrañaría que ahora supiéramos perfectamente que el cajón, como digo, es un instrumento de origen peruano. Hoy en día, hay algunas diferencias a la hora de la construcción del cajón (en el flamenco introducen unos bordones), por lo que sí podemos hablar de cajón flamenco y cajón peruano. Pero si alguna vez ven a Sakapatú tocando no piense que están fusionando con flamenco y que no tienen ni idea de los compases por bulerías, no, eso sería un tremendo patón.

(Sakapatú tocando en directo)

Bueno, y tras algunas aclaraciones técnicas volvamos a lo nuestro y hablemos un poco del grupo.

Lo que más me gustó fue, por supuesto, la puesta en escena. Pero también cómo combinaron elementos de la música afro-americana y de la andina, que nada tienen que ver a excepción de que comparten un mismo y lindo país (al que por desgracia no he tenido el gusto de ir).

La música afro-americana es básicamente rítmica (como la mayoría de la música venida de África). Y la andina se caracteriza por el uso de diversos instrumentos de viento (como por ejemplo las flautas de pan o la quena) y los coros andinos que le dan cierta transparencia. También hay que mencionar que el uso de platos de batería y bajo eléctrico, así como clarinete o flauta travesera, le da un punto un poco más moderno a esta música tradicional. Yo por lo menos no he escuchado nada con este sonido, aunque eso no quiere decir que no se haya inventado ya.

En mi opinión merecen una oportunidad, me lo pasé genial en el concierto y creo que son dignos de ver. Aunque tal vez, y por añadir un toque crítico, si dentro de unos años siguen por ese camino hagan trabajos más serios y comprometidos.

En su página web pueden oír algunos de sus temas (que sin duda suenan mucho más explosivos en directo, si les soy sincera resultan un poco fríos en la grabación). Sin más, si ven anunciado Sakapatú y les gusta la música sudamericana o tienen oportunidad no se lo pierdan. Pasarán un rato muy agradable.

Por cierto, en la página de Sakapatú podrán escuchar la cacharaina o quijada de burro. Así que, aunque no les interese en principio el apartado, pinchen en todo lo que sea posible porque es la mar de divertido.

Enlaces:

Página oficial de Sakapatú.

Instrumentos peruanos.

Cómo se toca la cacharaina.

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martes, julio 24, 2007

COMBATES LEGENDARIOS EN MAHAGONNY

ANTECEDENTES: MAHAGONNY

Tres presidiarios, dos hombres y una mujer, están en plena huída de la cárcel, en coche. Su intención es esconderse en las proximidades de un río donde se comenta que hay oro y (cómo no) hacerse ricos. Pero en el momento en que se les fastidia el coche se les fastidia también el plan. Están perdidos en mitad de la nada y sin posibilidad de moverse. Es entonces cuando ella reflexiona y, a la voz de "Es más fácil sacar dinero de los hombres que de los ríos" deciden quedarse y fundar una especie de centro comercial del sexo y el alcohol: la ciudad de Mahagonny.

Así comienza Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, ópera que se representa hasta el 5 de agosto en el Matadero de Legazpi, en Madrid. Merece la pena ir solo por ver el sitio, especialmente ahora que aún está en obras y las están usando como recurso estético, o por contemplar alguna de las exposiciones que celebran. Pero si además se entra a ver Mahagonny la experiencia vale el doble. Mahagonny no es lo que a uno se le viene a la cabeza cuando oye la palabra "ópera": la escribió Kurt Weill a principios del s. XX y resulta atrevida aún hoy. Enfrenta al espectador con su propia condición humana: instintos, ambiciones, bajas pasiones, mezquindades, dilemas morales, ilusiones, mentiras. Ayuda el entorno del Matadero, en el que uno está prácticamente sentado encima del escenario (si anda espabilado y consigue entradas en primera fila, claro) y no hay barreras que lo separen de la acción. Por ponerles un ejemplo: hay un momento en que varias actrices, que interpretan a prostitutas, salen completamente desnudas del escenario y comienzan a hacer gestos incitadores al público. A mi lado había dos chavales sentados, y una de las chicas centró sus gestos obscenos en ellos. Los pobres ya no sabían qué cara poner... ese día se enfrentaron a sus instintos para toda la noche, me parece.



Mahagonny es la primera ópera que no se representa enteramente con cantantes profesionales, porque su autor quería centrar la fuerza expresiva en la representación. Por allí andaban Constantino Romero (que tiene una voz impresionante pero a la hora de cantar llega hasta donde llega, aunque hace estupendamente de malo malísimo), Mónica López (que canta lo que canta, también, aunque a cambio a la hora de actuar está soberbia: no se puede tener todo), Antoni Comas (que sí es tenor profesional, y qué tenor), y algunos más, unos mejores que otros; unos coros a los que les faltaban unos cuantos ensayos, una orquesta impecable y una escenografía cuidadísima.



Si tuviera que definir musicalmente Mahagonny, diría que oscila entre "pché" y "un poco de todo": jazz, música popular, clásica (en toda la amplitud del término)... pero curiosamente, y no me digan que no tiene mérito, el gazpacho no se nota. Escuchen, como muestra, mi parte favorita: Jimmy, un leñador de Alaska, acaba de llegar a Mahagonny en busca, claro, de diversión. Lo primero que se encuentra al llegar es una manada de prostitutas que se le ofrecen (ya les digo que esta no es una ópera muy convencional) y de entre ellas escoge a Jenny, de la que se queda medio prendado. Antes de acostarse por primera vez, bajo un cartel en el que reza: "Instrucciones", mantienen esta conversación, que dice muy aproximadamente (no la he encontrado en español, mi memoria es mala y mi alemán poco más que un simulacro, así que repito: muy aproximadamente. Se admiten colaboraciones):

JENNY: He aprendido a preguntar qué quieren los hombres, así que dígame cuáles son sus deseos.

JIMMY: (¿Un traductor voluntario?).

JENNY: Por favor, Jimmy, dígame cómo prefiere que me peine, si hacia adelante o hacia atrás.

JIMMY: No podría decirle, depende de la ocasión.

JENNY: Pero ¿y qué hay de mis bragas, amigo? ¿Prefiere que lleve, o mejor que no?

JIMMY: Mejor que no.

JENNY: ¿Qué desea, Jimmy?

JIMMY: ¿Y sus deseos?

JENNY: Es demasiado pronto para hablar de eso.

Y fíjense qué melancolía tiene la música de Weill en esta escena:




Por cierto, la que canta es Lotte Lenya, esposa del compositor e intérprete por excelencia de su obra.


Kurt Weill, muñeco en gomaespuma realizado por Laura Kibel.


PRIMER COMBATE DE LA NOCHE: ALABAMA´S SONG

Aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid y que Kurt Weill es, probablemente, uno de los compositores de música culta más versionados en la música popular (versionado incluso por Ana Belén y Miguel Ríos, qué miedo; lástima que no haya encontrado el mp3) damos paso a nuestro primer Combate Legendario de hoy.

Para ello les traemos una pieza perteneciente a Mahagonny: 'Alabama´s song'. Es la que cantan las prostitutas cuando llegan a Mahagonny.

1. Versión clásica: Melina Mercouri.

Así es como se escucha en la representación de la ópera, con sus coros y todo. Melina Mercouri es actriz, y le pone voluntad, pero ahí queda la cosa. Tratar de subir y bajar en la escala con su voz sería como tratar de que un caracol hiciera salto de altura. Pasable.



2. Versión clásica pero elegante: Ute Lemper.

Ute Lemper sí es cantante, y su especialidad son las canciones como las que escribía Kurt Weill. Se nota a la legua. Me encanta el detalle de que esta chica, que a pesar de ser alemana tiene un acento inglés impecable, canta en esta canción en inglés con acento alemán. Es una tontería, pero me gusta.



3. Versión instrumental "Yo sí que soy de Alabama": Corvos.

No me pregunten quiénes son porque no lo sé, pero hacen una versión harto curiosa de la canción:



4. Versión jazz: Dee Dee Bridgewater.

También muy curiosa y bastante divertida. Dicen que esta chica es capaz de arrastrar a todo el público a un paroxismo de actividad cuando actúa: me lo creo.



5. Versión psicodélica: David Bowie.

Esta versión tiene momentos realmente brillantes, como el principio, y otros que a la que se descuiden les acarrean un ataque de epilepsia. Pero en general merece la pena.



Y mi favorita:

6. Versión rock: The Doors.

Realmente no tiene nada de especial... salvo el hecho de que da la impresión de que Alabama´s song se escribió para ellos y solo para ellos. Chapó.




SEGUNDO COMBATE DE LA NOCHE: WHAT KEEPS MANKIND ALIVE?



'What keeps mankind alive?' pertenece a la Ópera de tres peniques, otra obra de Weill, esta vez ambientada en los bajos fondos de Chicago (este hombre de los salones de té y esas cosas creo que ni había oído hablar). No ha sido tanto ni tan bien versionada como Alabama´s song, pero aquí tienen estas tres:

1. Versión recitada: William S. Burroughs.

William S. Burroughs es, hasta donde yo sé, un novelista americano. En esta versión se limita a recitar el texto. El acompañamiento me parece interesante, pero el conjunto es un tanto pesado. Mejora cuando se escucha un par de veces.



2. Versión tecno: Pet Shop Boys.

Cuentan Pet Shop Boys que estaban en la radio, participando en un programa homenaje a Kurt Weill, cuando les pidieron que hicieran una versión de alguna de sus obras, e hicieron esta en una hora. Bueno, para estar hecha en una hora, aprobado.



3. Versión clásica: Tom Waits.

A veces no hay que liarse la manta a la cabeza para hacer una buena interpretación: basta con haber nacido con la voz profunda e impresionante de Tom Waits...


Y ustedes ¿qué opinan? ¿Quiénes son los ganadores de estos dos Combates?



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posted by Susana @ 6:13 a. m. 2 comments

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